С тех пор, как Паразиты получил огромный приз в Оскаре, мировое кино, похоже, получает похвалу, которой оно давно заслуживает. Кинематограф - это форма искусства во всем мире, и Голливуд только царапает поверхность того, что может предложить этот великий медиум. В то время как паразит греется на своей победе, а у южнокорейского кинематографа есть момент, чтобы сиять, все еще существует множество мировых кинотеатров, ожидающих своего открытия.
Хотя многие шедевры мирового кинематографа пережили боль времени и стали обсуждаться в кинематографическом дискурсе великого кино, о многих постепенно забыли. К сожалению, иностранные фильмы становятся жертвами суровости времени гораздо больше, чем их американские коллеги, и кажется, что однодюймовый барьер, о котором говорил Бонг Джун-Хо, помогает пригвоздить гроб многих классиков.
Давайте поможем разбить этот однодюймовый барьер и заново откроем утерянную классику.
10. Фейерверк (Такеши Китано, 1997)
Такеши Китано, или Бит Такеши (его сценическое имя), является мастером многих ремесел. Комик, ведущий, актер, режиссер, писатель, художник и, возможно, многое другое. Хотя именно его комедийные и телевизионные работы больше всего представляют его в Японии, именно его кинематографическая деятельность привлекла его во всем мире, и по понятным причинам Китано, без сомнения, является одним из самых уникальных авторов Японии. Его сухая, почти застойная камера работает вокруг его зачастую сухих сковородок, которые используются для того, чтобы охарактеризовать некоторых из самых жестоких и безжалостных персонажей, но то, что всегда сияет в конце, после всего насилия, - это рассказ, наполненный теплом и душой. Китано показывает, что даже в самые суровые дни мы всегда можем чувствовать любовь и счастье, и что иногда грусть не должна быть такой грустной.
Фейерверк- самая совершенная работа Китано, фильм - эмоциональная американская горка, изображенная в том же сухом авторстве, которое вы ожидаете от Китано. Важно отметить, что использование сухого не является негативным, если думать о Китано, а думать о нем как о позитивном. Китано позволяет эмоциям быть движущей силой для его фильмов, камера делает очень мало, диалог делает очень мало, и редактирование экономит время. У вас часто есть кадры, которые задерживаются дольше, чем ожидалось, только с мертвой тишиной, без реакции персонажей, вместо этого их глаза рассказывают историю. Вы и сцена можете дышать и существовать вместе непрерывно, и это именно то, что делает Фейерверк.
Фейерверк о насильном полицейском (которого играет сам Китано), который уходит в отставку после несчастного случая на работе, и, не имея дохода, он обращается к якудза за деньгами, из-за долга и уходу за своей умирающей женой, полицейский решает забрать своего любовника. в одну последнюю поездку.
Этот фильм по-прежнему является одним из самых известных в мире, чем Китано, но он чувствует, что за последние несколько лет его постепенно забывают, и мы видим, что Китано все еще выступает в роли азиатского персонажа в голливудских фильмах, хотя на самом деле он мастер кино. Хана-Би доказывает это. Фейерверк не должен быть забыт.
9. Алиса (Ян Сванкмайер, 1988)
С чего начать с Алисы?
У Алисы один из самых уникальных визуальных стилей, известных кино благодаря режиссеру Яну Сванкмайеру. Фильм - сюрреалистическое путешествие в тактильный мир стоп-движения, изображенный в известной истории романа Льюиса Кэрол «Алиса в стране чудес». Ян Сванкмайер поднял мир анимации, доказав, что это было больше, чем просто фантастический трюк, чтобы поразить воображение детей, показав, что это была техника, которая могла предложить сюрреалистические эксперименты и образы, и хотя это было бы результатом многих его кинематографических фильмов. Походы, никто не захватывает это больше, чем Алиса.
Фильм так же силен, как и многие сюрреалистические классики, и все же демонстрирует уникальный голос, который никогда не чувствует себя застойным или клише. Сванкмайер доказывает, что кино - игровая площадка с техникой и воображением, а Алиса показывает, что иногда даже самые известные истории могут дать самые инновационные результаты.
8. Вампир: Сон Алена Грея (Карл Теодор Драйер, 1932)
Готика всегда была захватывающей сферой для кино. Некоторые из самых ранних знаковых моментов среднего уровня наслаждаются красотой фотографии хиароскро, кажется, можно сказать, что кинематография сияет ярче в темноте. Ранние кинематографисты понимали это, и готическая литература, казалось, вдохновляла прекрасные визуальные эффекты, чтобы исследовать это.
Размышляя об этих готических шедеврах, мы часто думаем о немецком экспрессионизме или фильмах о вселенских монстрах. Хотя эти фильмы являются шедеврами, ни один из них не кажется настолько готичным, как датский шедевр Вампир.
Как и его готические аналоги, Вампир греется в темноте, существуя в постоянном сновидении. Фильм представляет собой леденящее артхаус исследование мифа о вампирах, который был популярен в то время, но вместо того, чтобы быть потомком Стокера, Вампри черпал вдохновение из творчества Дж. Шеридана Ле Фану, придавая ему другие преимущества.
Фильм был более острым и мрачным, чем многие другие современные образцы жанра, даже по сегодняшним меркам Vampry кажется уникальным. С его ранним принятием звука Вампир чувствует себя еще более тихим, еще более пустым и преследующим. Он нависает над тобой, как затененное ночное существо, он захватывает твой разум мощными образами и поразительной атмосферой. Вампир - это образец готического кино, которое нужно увидеть.
7. Земля тишины и темноты (Вернер Херцог, 1971)
Вернер Херцог - один из самых уникальных голосов кино. Кинопроизводитель, который плавно перемещается между художественным и документальным фильмом. Герцог верит в философию визуального, силу изображения, истинность изображения, и независимо от его предмета, его идеология остается неизменной. С Герцогом корабли будут подниматься в горы, Амазонка покоряет конкистадоров, и готические легенды восстанут снова, но когда зрелище его легенды упускается из виду, остается только человек и его камера, и ни один фильм не показывает это больше, чем Земля Безмолвия и тьма.
«Земля тишины и темноты» - это ранний документальный фильм Герцога, посвященный исследованию разных людей, которые все слепы и умирают. Мучительная мысль для большинства (и всех читающих это), но правда для сюжетов фильма. Херцог часто заявлял, что ему хочется найти новые визуальные эффекты, изображения, которые никогда не были показаны раньше. Поэтому большая часть его работ охватывает самые отдаленные уголки нашего земного шара, он - Фицкарральдо, он - Агирре, он - человек-гризли, для него камера - его ключ к миру.
Земля тишины и темноты отличается. Оно снимает все зрелище. Это не погоня за чем-то новым, вместо этого Герцог делает шаг назад, он замедляется, и вместо того, чтобы показывать огромные новые визуальные эффекты, он исследует мир без визуальных эффектов: он ставит под сомнение свою собственную философию.
Этот фильм актуален сейчас как никогда, потому что он напоминает нам, что жизнь - это больше, чем то, что вы видите или слышите. Мы, как фанаты кино, воспринимаем наше зрение и звук как должное, но здесь Херцог исследует, какое качество жизни может существовать без двух наших самых выдающихся чувств. Это один из малоизвестных фильмов Херцога, часто омраченный почти мифическим ростом его ранних художественных фильмов, и именно поэтому он такой мощный. Это интимный фильм, фильм, в котором Херцог рассказывает историю реальным людям, фильм, в котором Херцог показывает, что иногда кораблям не нужно подниматься в горы, чтобы создать мощную историю, иногда реальный мир так же уникален и прекрасен.
6. Одуванчик (Юзо Итами, 1985)
Теперь в мир комедии со вкусом рамена. Одуванчик- это любовное письмо к кино и японской кухне. Несколько западный рамен, если хотите, и хотя это может звучать как кулинарная катастрофа, результат больше похож на шедевр звезд Мишлен.
Фильм рассказывает о двух водителях грузовиков, которые помогают восстановить дряхлый бар рамен вдовы. То, что разворачивается, является дразнящим исследованием японской культуры еды и наследия любимого блюда народов, рамен. Кинематографический язык заимствует у всех великих людей, оставаясь при этом невероятно уникальным. Камера обожает еду на шоу, оставляя аппетитные, когда вы набираете ближайший японский вынос.
Что хорошего в Одуванчике, так это то, что он никогда не воспринимает себя всерьез, а его комедийное очарование заставляет его чувствовать себя пищей для души. Одуванчик- это согревающая тарелка супа в холодный зимний день.
5. Молчание моря (Жан-Пьер Мелвиль, 1949)
Кролик Джоджо недавно рассказал историю людей во Второй мировой войне, он отбросил тропу «все немцы - злые нацисты» и вместо этого относился к ним как к людям. Это не новая концепция, хотя. Нет. Джин-Пьер Мелвилл сделал это, и он сделал это лучше.
Молчание моря - это история французской семьи, дяди и племянницы, Жан-Мари Робана и Николь Стефан, поскольку они неохотно должны разместить немецкого лейтенанта в исполнении Говарда Вернона. Мы ожидаем, что типичное повествование о том, что оскорбительный немец бросает свой вес и доминирует в домашнем хозяйстве, но вместо этого история представляет собой прекрасное повествование о сходствах, которые существуют независимо от того, из какой вы жизни.
Каждую ночь немецкий лейтенант стоит в гостиной с мужчиной и племянницей, пытаясь с ними поговорить, он раскрывает свои чувства, пытаясь с ними связаться. Семья молчит, их предубеждение делает его лицом зла, но, как и они, он беспомощен. Они оба просто пешки. Оба просто люди. Фильм был прочитан как репрезентация собственной борьбы Мелвилла как части сопротивления во время войны, радикальное заявление, тем более что фильм был снят так скоро после войны. Очень мощная часть кино.
4. Вкушаем плоды райских кущ (Вера Читилова, 1970)
Вера Читилова - настоящий пионер арт-формы. Ее новаторский фильм «Ромашки» сделает ее мастером-авангардистом, но именно ее адаптация истории Адама и Евы «Вкушаем плоды райских кущ» 1970 года укрепляет ее наследие.
Фильм - сюрреалистический шедевр, который течет через кинематографический язык без ограничений. Он экспериментален и свободен от ограничений повествования. Хотя повествование существует, оно не является движущей силой. Вместо этого фильм создает пейзаж мечты, в котором разворачивается мифическая библейская история, но исчезли атрибуты классической истории, вместо этого история рассказана с женской точки зрения. Читилова ставит под сомнение все о происхождении «мужчины» и придает ей необходимый женский голос. Сатирический и политический во всех правильных отношениях. Прекрасный момент для феминистского кинопроизводства.
3. Рожденный убивать (Сэйдзюн Судзуки, 1967)
Японская новая волна была радикальным временем для кино. Во время военных действий Япония оказалась оккупированной союзными войсками и не в состоянии иметь какой-либо собственный художественный результат. Когда оккупация закончилась, Япония оказалась в затруднительном положении, чтобы вернуть себе чувство идентичности и нормальности. Кинотеатр стал раем для семей и граждан, пытающихся жить дальше, теперь, когда прошлое осталось позади, но киностудии не хватало материала, необходимого для удовлетворения растущих потребностей; следовательно, в истории Японии мы находим момент, когда левые кинематографисты сумели взбеситься: новая волна Японии.
Студии, по сути, освещают все что угодно, и именно здесь мы видим некоторые из величайших кинематографических экспериментов Японии, особенно от режиссера Сэйдзюна Судзуки, наиболее известного как Токийский дрифтер. Рожденный убивать обнаружил, что Судзуки был уволен, поскольку студия потеряла надежду на его способность снимать фильмы, которые «имели смысл». Он был режиссером, который продвинул их слишком далеко, но, к счастью, у нас все еще есть фильм, который подтолкнул их. Созданный на лету, почти без подготовки, «Рожденный убивать» - это стильный фильм о наемном убийце, который номер два, но вскоре оказывается, что его преследует призрачный номер один. Настоящее чудо индивидуального кинопроизводства.
2. Меч судьбы (Кихачи Окамото, 1966)
Самурайский фильм для Японии - это то же самое, что Запад для Америки. Когда мы думаем о фильме «Самурай», мы думаем о Куросаве, мастере формы, но были и другие, одним из которых был Окамото, директор Меча судьбы.
Меч Судьбы - это медитация на самом повествовании самураев. Здесь мы оставляем под сомнение реальность чести, когда она так тесно связана с боевыми действиями и смертью. Здесь мы рассмотрим очень вероятные реальности психологического ущерба, который может быть нанесен в результате насилия. Здесь мы рассмотрим саму роль самурая и фильмы, которые их изображают. Лучше знать меньше о Мече судьбы, потому что у нас уже так много ожиданий от жанра, что Меч судьбы работает лучше всего, когда он может подорвать их свободно.
Меч судьбы стоит на шее с великими фильмами о самураях Японии и не должен упасть в безвестность.
1. Дзета (Коста-Гаврас, 1969)
Дзета - фильм, который оставляет вас истощенным в лучшем виде. Это эмоционально тяжело, но полностью оправдано в своих рассуждениях. Фильм - выдуманный рассказ под влиянием убийства Григориса Ламбракиса. Фильм сатирический с четким мотивом. Это фильм, который до сих пор есть, что сказать и показать.
Интересно, что Дзета, как и «Паразиты», был номинирован на лучшую картину и лучший фильм на иностранном языке на церемонии вручения премии Академии, в то время как он выиграл только последнюю, тот факт, что он был номинирован в 1969 году, является истинным свидетельством масштаба этого фильма. Хотя Дзета попал в историю, он по-прежнему является обязательным для просмотра фильмом, и если этот однодюймовый барьер начинает падать, то какое место начинать ваше путешествие в мировое кино с фильмом, который почти достиг той же победы, что и «Паразиты старше 50 лет»? много лет назад.
