Фильм, по сути, построен, чтобы заставить нас чувствовать. В лучшем случае, это чувственный опыт, который позволяет нам лучше понять себя, мир вокруг нас и наших собратьев. Один из способов, с помощью которых мы лучше всего чувствуем себя в кино или любом искусстве, - это присутствие красоты. Красота, особенно в кинопроизводстве, может служить нескольким целям. Красота чаще всего ассоциируется с тем, что визуально приятно или бросается в глаза - возможно, с красивым снимком или привлекательным актером. Но функция красоты в фильме гораздо глубже.
Красота в кино встречается, когда фильм раскрывает более глубокую правду о мире; когда изображения и звуки на экране открывают новую оценку реальности. Красота в кино должна, в конечном счете, заставить зрителя чувствовать себя более осознанно и более полно. Следующий список посвящен недооцененным или недооцененным фильмам с кинематографической красотой в своей основе.
1. Кояанискатси (1982)
Будучи первым в трилогии из трех фильмов, Кояанискатси является экспериментальным документальным фильмом режиссера Годфери Реджио, посвященным изучению движения, безмятежности и энтропии Земли. Название фильма - слово хопи, которое примерно переводится как «жизнь вне баланса». Через серию блестяще сфотографированных монтажов, фильм рассказывает об отношениях человека с природой и самим собой; является ли это положительным или отрицательным отношением, остается открытым для интерпретации.
Кояанискатси - фильм ошеломляющей визуальной красоты, столь же впечатляющий из кинематографического зрелища сегодня, как и в 1982 году. Но фильм - гораздо больше, чем просто визуальное чудо. С помощью гипнотического счета Филиппа Гласса Кояанискатси становится свидетельством всей жизни - постоянное беспокойство человечества с собой, его окружающей средой и его созданиями. Это фильм равных частей футурист и антиутопия в своем видении прогресса и места человека в современном мире. Объем фильма не имеет себе равных; он контекстуализирует даже самые обыденные функции общества в целостный кинетический портрет жизни. Никогда прежде или никогда снова монтаж упаковки для хот-дога не будет настолько эмоционально захватывающим.
2. Любовь и попса (1998)
О Хидеаки Анно чаще всего говорят о его культовом (и продолжающемся) феномене анимированной поп-культуры, «Неоновом генезисе Евангелионе», состоящем из телесериала, двух продолжений фильма и серии перезагрузок, которая (предположительно) завершится четвертым фильмом в 2020 году «Евангелион» заслуживает всяческих похвал, которые он получил, а затем и некоторых, но франшиза, к сожалению, затмила более личную, интимную работу Анно в живом боевике. «Любовь и попса» - это первый живой фильм Анно, и одна из самых недооцененных работ в японском кино на сегодняшний день.
«Любовь и попса», созданный по мотивам романа Рю Мураками «Топаз II» и снятый практически полностью маленькими ручными цифровыми камерами, фокусируется на подвигах четырех японских школьниц и их происхождении в компенсированной культуре свиданий в Японии.
Это фильм с деликатным сюжетом, формально несущий невероятные риски; Анно не боится разрушить условности кинематографического языка с помощью грязных маленьких камер, на которых снимается фильм. Но в то время как большинство режиссеров используют сюжет фильма, чтобы превратить его в депрессивный, жестокий опыт, Анно обращается с ним с невероятной грацией и сочувствием. По сути, Любовь и попса - это история совершеннолетия. Речь идет о молодых женщинах, которые находят свое место в мире и узнают, что значит быть рядом с кем-то - любить и быть любимым. Это кинетический, красочный, но в конечном итоге меланхоличный портрет молодости, преступно недооцененный и совершенно незабываемый.
3. Шики-Джитсу (Ритуал) (2000)
«Шики-Джитсу», переведенный в «Ритуал» в США, является вторым живым боевиком Хидеаки Анно, выпущенным через два года после Любовь и попс. В главных ролях японский независимый режиссер Сандзи Иваи, фильм представляет собой стилизованное и живое описание вновь открывающейся цели в жизни.
Фильм рассказывает о режиссере, который, вернувшись в свой родной город, встречает странную девушку на железнодорожных путях. Каждый день она говорит себе, что завтра ее день рождения. Режиссер, который хочет создать фильм с живым боевиком, создает связь с девушкой, которая, похоже, не может избежать своего собственного фэнтезийного мира.
Как и большая часть работ Анно, как в анимации, так и в живом действии, Шики-Джитсу вызывает меланхолическую ностальгию - это мрачный и комфортный фильм, полный визуальных удовольствий и необычных моментов. Весь фильм кажется невероятно личным для Анно и его собственного желания воссоединиться с реальностью и бороться с депрессией. Это уютный и эксцентричный фильм о жизни, красивый в своей близости, юморе и честности.
4. Яйцо ангела (1985)
Яйцо ангела - это OVA, режиссер Мамору Осии из фильма «Призрак в доспехах» (1995).
Фильм был проигнорирован после его выхода критически и только недавно создал культ последователей. Это, несомненно, один из самых захватывающих анимационных фильмов, когда-либо созданных.
Там не так много, чтобы сказать о фильме с точки зрения сюжета. Яйцо Ангела, состоящее всего из нескольких строк диалога, следует за загадочной молодой девушкой, держащей большое яйцо, когда она пересекает бесплодную готическую пустошь.
«Яйцо ангела» - это фильм, который нужно испытать, а не объяснить. В фильме использованы образы разложения наряду с религиозной иконографией как личное свидетельство собственного опыта Осии и окончательного отказа от христианства и веры. Таким образом, в фильме ощущается затяжная потеря, как будто мы видим экзоскелет чего-то, что когда-то было цельным и красивым, но теперь забыто. Мальчик наставляет загадочную девочку в начале фильма: «Держите в себе драгоценные вещи, иначе вы их потеряете». Яйцо Ангела можно рассматривать как впечатление от чего-то потерянного, жуткого послесвечения тепла и надежды. Это фильм ошеломляющей красоты и глубины, который необходим всем, кто интересуется анимацией.
5. Загадочная кожа (2004)
Грега Араки, пожалуй, чаще всего признают авангардом движения New Queer Cinema и режиссера трилогии Teen Apocalypse. Хотя большая часть его фильмографии ценится исключительно поклонниками трансгрессивного независимого кинопроизводства, «Загадочная кожа» - фильм, который доказал свою вневременную и универсальную силу в своем неприхотливом, чутком подходе к своей сложной теме.
В главной роли в фильме «Молодой таинственный Джозеф Гордон-Левитт» идет «Два таинственных человека», которые, похоже, не имеют ничего общего - один сексуально активен и мятежен, а другой защищен и одержим похищениями инопланетянами. Несмотря на их различия, эти два медленно обнаруживают общую связь с событием в их детстве. Чтобы раскрыть больше сюжет фильма умаляет его вес.
Многие люди знают о существовании этого фильма, но предпочитают не смотреть его из-за его тем и неудачного рейтинга NC-17. На самом деле, «Загадочная кожа» - один из величайших и самых зрелых фильмов, посвященных сексуальной травме и юности. Он непоколебим в своем подходе к сложным предметам - он отказывается биться вокруг куста. Но из-за этого фильм в конечном итоге способен преодолеть трагедию по своей сути, подчеркивая моменты подлинной красоты между сломленной молодостью и медленным процессом исцеления. Это сложный фильм для просмотра, но это абсолютно необходимая и волнующая художественная работа, и один из величайших фильмов для подростков, которые когда-либо создавались.
6. Синдромы и столетие (2006)
«Синдромы и столетие» режиссера тайского автора Апитчатпон Вирасетакул, также известного как «Джо» в США, является изящным, сюрреалистическим и личным исследованием пространства и памяти.
Писать слишком много о фильме минимизирует опыт, но повествование по сути является вымышленной виньеткой собственных родителей Джо, которые были врачами, и их встречи в двух отдельных гипотетических сроках.
Синдромы и столетие часто приукрашиваются в фильмографии Вирасетхакала, и это позор. Джо понимает, как запечатлеть тихую трансцендентность и человечность повседневных моментов, будь то монах у дантиста или пара на цветочном рынке. Это фильм глубоко романтичный и загадочный; Джо работает тонкими импрессионистскими жестами и создает свои фильмы, основываясь на чувствах, а не на поверхностной логике. Это внимание к эмпатии и энергии за рамками позволяет Синдромам и Веку, а также всем работам Вирасетхакала достичь беспрецедентной духовной красоты.
7. Песнь Авиньона (1998)
«Песня Авиньона» - это 8-минутный короткометражный фильм, снятый литовско-американским режиссером Йонасом Мекасом, которого многие считают типичным автором американского авангардного кино.
Как и все фильмы Мекаса, «Песня Авиньона» больше похожа на дневник, чем на повествование - слышен голос, читающий записи дневника Мекаса, когда изображения из его путешествий вспыхивают перед экраном в импрессионистских пятнах. Озвучивание фильма посвящено, в частности, болезненному пересказу воспоминаний о Мекасе и его борьбе с депрессией.
Немногие кинематографисты готовы использовать свою работу в качестве сеанса терапии. В «Песне об Авиньоне» зритель может смотреть прямо в мир Мекаса и то, как он обрабатывает боль и пустоту. Это может звучать как тоскливое задание, но Мекас открывает красоту в самых простых образах, словах и моментах. Он находит утешение в вечности жизни - ее ритм, плеск океанских волн, улыбка друга. Песня Авиньона - великолепное и серьезное произведение искусства одного из величайших художников Америки. Покойся с миром, Джонас.
8. Хроника Анны-Магдалены Бах (1968)
Режиссерский дебют экспериментального французского дуэта режиссеров Жана-Мари Штрауба и Даниэля Уилле. «Хроника Анны-Магдалены Бах» - неортодоксальный музыкальный биографический фильм, если не сказать больше, но фильм удивительной чувствительности и элегантности.
Фильм рассказывает о жизни и творчестве Баха с точки зрения его второй жены, состоит из серии музыкальных представлений и закадрового повествования. Большая часть фильма состоит из статичных кадров Баха, исполняющего музыку.
Следует признать, что «Хроника Анны Магдалены Бах» - довольно претенциозный фильм, но в правильном мышлении это невероятно полезный опыт. Ни один фильм не был сделан совсем как Хроника Анны Магдалены Бах. Вместо того, чтобы рассказывать историю художника через его жизнь, фильм рассказывает историю художника через его искусство. Музыкальные произведения говорят сами за себя; они служат ориентирами и ориентирами в жизни Баха.
Черно-белая кинематография фильма - это барокко и изысканность, пробуждающая культуру временного периода и дополняющая тонкости музыкальных произведений при их исполнении на экране. Это один из самых стилистически амбициозных музыкальных фильмов, когда-либо созданных; страстный проект невероятной грации и красоты.
9. Токио-Га (1985)
Вим Вендерс по праву считается одним из величайших немецких режиссеров, известных своими медитативными повествовательными работами, такими как «Крылья желания» (1987) и Париж, Техас (1984). Но помимо того, что он отличный рассказчик, Вендерс также является наблюдательным, терпеливым документалистом. Это доказано в «Токио-Га», где рассказывается о путешествиях Вендерса в Японию и его исследованиях знаменитого классического японского режиссера Ясудзиро Одзу.
Токио-Га пытается контекстуализировать фильмографию Озу и изображение традиционной японской культуры в быстро индустриализирующейся, постоянно меняющейся современной японской культуре. Это равнозначно экзамену одного из величайших художников кино, Озу, так как это личное путешествие; Вендерс пытается разобраться во все более изолированной современной культуре, которая все меньше и меньше связана с видением Японии Озу.
Для Вендерса Озу является пробным камнем культуры, которая постепенно исчезает. Красота фильма заключается в его внимании к деталям, будь то в процессе создания пластиковых пищевых дисплеев или игры в пачинко. Фильм - это артефакт изменения идентичности и культуры Японии, мрачный в своем подходе, но любящий наследие и рост страны. Это рефлексивный и наводящий на размышления документальный фильм, необходимый для всех, кто инвестировал в Одзу, Вендерс или японскую культуру в целом.
10. Дух улья (1973)
Во многом духовный предшественник «Лабиринта Пана» (2006), «Дух улья» - это режиссерский дебют испанского режиссера Виктора Эриса. Действие фильма происходит после гражданской войны в Испании и на заре францистской Испании. Фильм рассказывает о молодой девушке, которая увлекается монстром Франкенштейна после просмотра фильма со своей сестрой. Она отступает во внутреннюю фантазию как способ обработки бурного внешнего мира.
«Дух улья» - один из самых типичных фильмов о детстве. Как и «Лабиринт Пэна», фильм изгибает грань между реальностью и фантазией, предлагая субъективный опыт наивной, детской невинности. Жизнь, во всех ее сложных жестокостях, имеет определенную тайну, красоту и сочувствие, как это видно глазами ребенка. Эриче ласково фиксирует это мечтательное состояние детского оптимизма и невинности, несмотря на мировую апатию.
