Позвольте мне начать с того, что это никоим образом не следует считать последним словом, а скорее началом долгой дискуссии. Там так много великих режиссеров, что смехотворно сужать его до 10.
В этом отношении на первый взгляд нелепо отдавать должное успеху фильма тому, кто его снял, потому что в каждом фильме тысячи людей, которые делают его таким, какой он есть. Но с учетом вышесказанного любой режиссер, по-настоящему контролирующий свою медиану, точно знает, с кем работать, как направлять свои навыки в свое видение и ставить подпись в своих фильмах, которая делает их собственными.
Есть много замечательных примеров, на которые я могу указать в отношении величайших авторов в истории кино: от начала фильма как формы искусства с такими, как Мелиес и Гриффит, до новаторов, таких как Уэллс и Годар, до современных влияний Спилберга и Тарантино. Излишне говорить, что этот разговор может продолжаться вечно, но для нынешнего пространства времени и настроения только меня самого это 10 величайших кинематографистов. (В алфавитном порядке)
1. Ингмар Бергман
«Иногда, когда я сплю, я думаю:« Я запомню это, я сделаю фильм об этом, это своего рода профессиональная болезнь ».» Эта цитата Ингмара Бергмана лучше объясняет основы его работы, чем что-либо еще. Он был мечтателем, но, точнее, сама цитата ставит большой вопрос. Может быть, Бергман мог контролировать свои мечты во время сна? Когда вы смотрите его фильмы, вы быстро понимаете, что Бергман снимает мысли, которые лежат в его подсознании. У его фильмов был ясный сон, похожий на дымку, независимо от того, происходили они в мечтах персонажей или нет.
Идеи глубоких экзистенциальных страхов, сексуальных тревог, демонических посещений. Бергман назвал вдохновение Августа Стриндберга «Игра мечты» 1901 года. Он был написан после того, как драматург пережил психическое расстройство, его хвалили за следование логике сна и призыв к современной фрейдовской психологии. Фильмы Бергмана стремились к этому типу двусмысленности, захватывающему разделению между мечтами, действительностью и психологией. И насколько каждый из них может переплетаться друг с другом.
Бергман сказал: «Никакая другая художественная среда, ни живопись, ни поэзия, не может передать такое специфическое качество сна, как фильм. Во сне время и пространство больше не существуют, и кинотеатр уникально оборудован, чтобы изменить восприятие зрителями этих свойств. Нетрадиционный угол обзора камеры, резкий рез, неожиданный звук. Сами основы кинопроизводства могут понять, что тому, что мы наблюдаем, нельзя доверять как реальному ».
Когда вы смотрите его фильмы, такие как «Персона», «Крики и шепоты» и многие другие, становится совершенно ясно, что философия Бергмана заключается в том, что сновидения - это естественное состояние кинематографа. Будь то битва между жизнью и смертью в «Седьмой Печати», размышление о существовании в «Дикой землянике» или любое количество бесчисленных шедевров, которые он сделал за свою карьеру. Бергман был мечтателем и мог сделать мечтателей из всех нас.
2. Федерико Феллини
Одним из странных фактов работы Феллини были его собственные наблюдения. Он чувствовал, что его величайшие достижения были в начале его карьеры, а затем он почувствовал, что отказался от своего ремесла ради личной рефлексии. Ушли в прошлое неореализм его произведений, таких как «La Strada», а затем появились полуавтобиографические фантазии, такие как «La Dolce Vita», «8½» и «Amarcord».
По словам самого Феллини, его работы становились все хуже, углубляясь в христианские и сексуальные корни его мышления. Забавно слышать это от самого человека, потому что это не может быть дальше от правды, то, что мы называем «феллинским», было его фантазийными мечтами о собственной жизни.
Что может быть лучше, чем вдохновение? Его ранние фильмы вслед за итальянским неореализмом были хорошими, но были отягощены основанным материалом реальности. Настоящей визитной карточкой Феллини было полное понимание возможностей фильма, он предпочитал изображения всему остальному, потому что изображение - это то, что дает фильмам свое художественное превосходство перед любым другим видом искусства.
Ранние работы Феллини, безусловно, не о чем списывать, хотя «Ла Страда» и «Ночи Кабирии» - замечательная классика. Но более того, они передают те же идеи, которые Феллини продемонстрировал бы и в своих более поздних фильмах, о постоянной битве тела, души и разума.
Его фильмы, явные или нет, содержали христианскую идеологию, чтобы акцентировать события, которые разворачивались. «Ла Страда» имеет дело с грехами, связанными с плохим обращением и оставлением. Многие теоретизировали, что «La Dolce Vita» символически о семи смертных грехах, каждая из которых вращается вокруг этих самых понятий.
А потом, конечно, позже он будет снимать фильмы, такие как «Феллини Сатирикон», который ничего не сдерживает в своих изображениях греховной природы. Но все это сочеталось с равным количеством личных размышлений. Многие из его фильмов были продолжением глав его жизни.
«La Dolce Vita» был портретом сладкой жизни, которую он прожил, «8½» был настолько автобиографичен, что мог бы назвать главного героя в честь себя, «Amarcord» был отражением обширных воспоминаний, которые он получил от своего детство. Насколько Феллини был художником визуальной вспышки, лектором религиозных предупреждений и автором своей собственной жизни. Он также был экстравагантным человеком, который извлекал максимальную пользу из жизни на каждом шагу.
3. Джон Форд
Орсон Уэллс однажды сказал в интервью, где его спросили, кто его любимые режиссеры: «Ну, я предпочитаю старых мастеров, под которыми я подразумеваю Джона Форда, Джона Форда и Джона Форда». Если Уэллс является новатором языка кино, тогда Форд является новатором новатора. Видение Фордом американского Запада в его многочисленных фильмах стало окончательным взглядом нашей национальной идентичности, размер и масштаб его ремесла - то, что рисует картины нашей западной культуры.
За один год он снялся в фильмах «Молодой мистер Линкольн», «Гроздья гнева» и «Дилижанс». Все они сильно различаются по жанру, тону и исполнению, но охватывают одну и ту же тему его работы, в которой подробно описывается значительный переходный период в американской культуре от старого запада к гражданской войне и великой депрессии.
В то время как его истории были большими по масштабу, они были одновременно личными с персонажами, у Форда был простой способ рассказывать свои истории, которые легко было зафиксировать, что делает его фильмы легкими для просмотра и понимания. Но он мастер из-за техники, которая вошла в его великие видения.
За всем, что происходит в фильме Джона Форда, довольно легко проследить из пункта А в пункт Б, но вдали от каждого исторического бита лежал момент, который поднимал сложный вопрос в отношении американской культуры. Такие, как отношения между Белым человеком и коренными американцами во время этих сложных эпох. Многие отмечали в «Поисках» идею оправданного расизма перед лицом невзгод после гражданской войны.
Преднамеренно или нет, и, зная Форда, это, вероятно, не было непреднамеренным, идеалы некоторых из его фильмов, вероятно, не устарели, поскольку общество прогрессировало со временем. Но, тем не менее, это увлекательное исследование, которое интригует по сей день.
Когда президент Вудро Вильсон увидел показ «Рождения нации», он предположительно сказал: «Это похоже на написание истории с Молнией. И я сожалею только о том, что все это так ужасно верно ». Это было в отношении Гриффита, но я чувствую, что это может быть применимо и к Ford. Независимо от того, было ли это политкорректно или нет, его работы были суммированием истории, как это происходило.
4. Альфред Хичкок
Независимо от того, насколько я думаю, что у меня есть, я не уверен, в чем секрет Альфреда Хичкока, и я не уверен, что кто-то действительно делает это. Хотя многие другие великие таланты его времени, похоже, исчезают, Хичкок только набирает популярность, не для того, чтобы кого-то унизить, но когда в последний раз вы слышали имя, подобное Сесилу Б. Демиллу, в повседневной беседе? Хичкок понимал свою аудиторию лучше, чем любой другой режиссер, точно зная, как отыгрывать их интеллект и эмоции.
Уильям Фридкин известен тем, что говорит: «Не тратьте свое время в киношколе, просто посмотрите фильмы Альфреда Хичкока. Вы научитесь техникам теперь, это просто вопрос поиска собственного голоса, это то, что я сделал ». Работа Хичкока охватывает почти все, что вы могли просить.
Он известен как «Мастер приостановки», но это очень несправедливо по отношению к его навыкам, он был способен гораздо больше, чем просто пугать нас. Старая поговорка Хичкока заключалась в том, что он хотел играть на публике, как на пианино, и, естественно, у него был способ задействовать самые первичные способы человечества, чтобы действительно двигать нас таким образом, каким он хотел, чтобы мы шли.
Многое из этой способности появилось из его личных откровений в его фильмах, многое из того, что вошло в его фильмы, было тем, что он чувствовал. Его самые глубокие страхи, его самые глубокие недостатки, его желание контролировать других и, конечно, его увлечение белокурыми женщинами.
Многое из этого можно увидеть в таких фильмах, как «Заднее окно», где мы видим его способ быть вуайеристом, который наблюдает за другими глазами камеры, или в «Головокружении», где мужчина заставляет женщину быть в идеале фантазийное изображение светловолосого призрака. Но одним из истинных признаков гения в репертуаре Хичкока была его способность создавать общественное восприятие самого себя, он постоянно появлялся в трейлерах к своим фильмам и камео.
Хичкок жил в эпоху, когда режиссеры были преимущественно за камерой, а звезды были главной достопримечательностью. Хичкок сломал эту форму, подняв свою загадочность, и в то же время заставив всех осознать, кто он такой. Следующее, что вы знаете, его имя было синонимом фильмов, как и Джеймс Стюарт. Хичкок знал, как заставить всех осознать, кто он, даже после того, как его давно нет. И это работа настоящего мастера.
5. Стэнли Кубрик
Стэнли Кубрик был одним из самых очаровательных людей, которые когда-либо жили, и разве вы не знаете, его фильмы тоже были довольно хорошими. Возможно, больше, чем любой другой режиссер в истории, Кубрик имел полное представление о том, какими должны быть его фильмы, и использовал каждый аспект создания фильма, как кисть, которая создает портрет. Я уверен, что будут дебаты по этому утверждению, но, вероятно, нет другого режиссера, который продвигал бы мифы кинематографического вида искусства, чем Кубрик.
Отличительной чертой автора является то, что даже если вы не знаете, кто снял фильм, вы можете сказать, просто посмотрев его, и это именно то, что было у Кубрика. Выросший с еврейским наследием, но смещенный в сторону атеистических взглядов, Кубрик понимал огромное количество религиозной литературы и всегда был увлечен большими концепциями в нашей вселенной. С юных лет он увлекался фотографией и непрерывно совершенствовал свое мастерство и внимание к деталям, которые, как мы все знаем, будут служить ему необычайно хорошо.
С продолжающимся в 1960-е годы фильмом Кубрика «Убийство» с участием «Спартака», «Доктор Странная любовь »и« 2001: Космическая одиссея »(среди многих других) было очевидно, что он был не просто еще одним великим режиссером, а скорее настоящим гением, поднявшим ремесло на новый уровень.
Самой крутой вещью в способностях Кубрика, однако, было его разнообразие в жанре. Он показал самое мрачное человечество в военных фильмах, таких как «Пути славы» и «Цельнометаллическая оболочка», рассказал историю с фильмами «Спартак» и «Барри Линдон», заставил нас смеяться с «Доктором Доктором». Странная любовь », напугавшая нас« Сиянием », заставила нас усомниться в загадочной этике морали в« Заводном апельсине »и привела нас к опыту жизни в« 2001: Космическая одиссея ».
Каждый фильм уникален, но все же включает мифы о Кубрике, которых мы знаем и любим. То, что мы можем быть частью чего-то гораздо большего, чем мы сами, что выходит за пределы нашей жизни и существования и идет туда, куда другие отказываются идти.
6. Акира Куросава
Когда вы смотрите на современную сцену кино, трудно отрицать, что Куросава оказал, пожалуй, самое заметное влияние, чем любой другой режиссер. От того, как снимается действие, до сюжетов, которые мы видим, когда большие группы собираются вместе, чтобы предотвратить злого врага, Куросава пересмотрел кинематографический язык, которому все должны следовать с этого момента. Но более того, Куросава был учителем в своей родной стране.
Он начал снимать фильмы в начале 40-х годов и не совсем нашел свой голос, но после Второй мировой войны Куросава нашел свой след. Его фильмы не только стали технически лучше, но каждый следовал подобному образцу в его арсенале. Многие из его фильмов были сняты в японских знаниях, в частности самураев - это то, что станет торговой маркой Куросавы. Но каждый фильм послужил бы мостом между древней и современной Японией.
В годы, последовавшие за Второй мировой войной, Америка заняла лидирующее положение в оккупации и реабилитации Японии, американские силы провели широкомасштабную военную, политическую и социальную реформу. Величайшие фильмы Куросавы снимались в этот период, и постоянные темы восстания против традиционного общества в его фильмах были прямым результатом продолжающихся перемен в Японии.
Куросава был, вероятно, величайшим визуальным стратегом в истории кино, его направление - это то, что еще больше закрепило движение как центральный инструмент в кинопроизводстве и рассказывании историй. Все, что вошло в его фильмы, было делом мастеров. Двигаются ли персонажи, движется ли камера, движется ли погода на экране и т. Д. Куросава точно знал, что нужно выводить на экран и как использовать это, чтобы еще больше усилить его историю.
Возьмем, к примеру, замечательную сцену из «Семи самураев», в которой отец обнаруживает, что у его дочери роман с молодыми самураями. Он гонится за ней, чувствуя, что она опозорила семью, самураи и жители деревни начинают мешать, создавая чувство бедствия, и, когда идет дождь, все уходят один за другим, оставляя молодого самурая одного, чувствуя стыд за то, что он сделал.
В одной блестящей последовательности Куросава продемонстрировал свою технику, а также тематическое превосходство для социально запрещенных предметов, нарушающих ранее сложившуюся традицию. И это только один из многих шедевров легендарного творчества Куросавы.
7. Ясудзиро Озу
Роджер Эберт однажды сказал: «Озу не только великий режиссер, но и великий учитель, а после вы знаете его фильмы, друг. Ни с одним режиссером я не чувствую привязанности к каждому кадру ». И он прав, Озу был таким же искусным режиссером, каким был когда-либо. Он не только снимал фильмы, но и обучал, чтобы помочь нам в нашем образе жизни. Возможно, нет такого режиссера, который так красноречиво писал картины человеческого опыта, как Озу.
Его фильмы были просты по своей природе, как правило, основаны на динамике семьи или взаимоотношениях. Но все это время духовные испытания проходили через движения повседневной жизни. Если вы придерживаетесь старой поговорки «с возрастом приходит мудрость», то Озу является эквивалентом этого фильма. Озу никогда не боялся становиться старше, и поэтому он снимал фильмы, которые состарились вместе с ним, которые росли с мудростью.
Возьмите его самые известные достижения, например: «Поздняя весна», «История Токио» и «Плавающие сорняки». Каждый из них установлен в рутине жизни, которая может случиться с кем угодно. Одинокая дочь, которая заботится о своем больном отце вместо того, чтобы искать любовь, семья, у которой нет времени для бабушек и дедушек, когда они приезжают в гости, отец, пытающийся воссоединиться со своим сыном после стольких лет разлуки. Неважно, откуда мы родом, потому что такие события универсальны и повсеместно. Они говорят с нами независимо от того, кто мы есть.
Стратегии Одзу были так же просты, как и пришли. Его самой известной техникой было использование подушечных выстрелов, разбивающих события истории с помощью чего-то из повседневной жизни. Он обычно любил лодки, поезда, пустые переулки и т. Д. Его метод был прост, поэтому настолько острым, насколько это возможно.
Со своими фильмами Озу создавал глубоко человеческие истории, но прояснил мир вокруг них. Как индустриализация замедлила пути человеческого прогресса, поскольку семьи медленно отдаляются друг от друга, даже если они не знают об этом. Я обычно не испытываю эмоций во время фильмов, но мне не стыдно признаться, что Озу приносит излияние эмоций от меня. Во многих отношениях он действительно друг, как только ты с ним познакомишься.
8. Мартин Скорсезе
Скорсезе был одним из режиссеров поколения киношколы и, пожалуй, лучшим. Трудно сказать, учитывая состав, включающий в себя Спилберга и Копполу, но с точки зрения объема работ, который растянулся во времени, в современном периоде нет другого режиссера, который определил бы кинематографический пейзаж больше, чем добрый старый Марти. Скорсезе был маленьким ребенком с астмой в Нью-Йорке, он не мог заниматься спортом или заниматься физическими упражнениями, поэтому просто ходил в кино с родителями так часто, как мог.
Любовь Скорсезе к фильмам просвечивает практически в каждом фильме, который он снимает, но что более важно, это его воспитание в католических верованиях. Католицизм стал неотъемлемой частью бренда Скорсезе, почти каждый фильм, который он сделал, имел дело с католической моралью и идеологией.
Вспомните бдительного Тревиса Бикла, наказывающего улицы Нью-Йорка за их грехи в «Таксисте», горячем насильственном взрыве Джейка Ла Мотта по отношению к его жене Вики, чувствуя, что она не одна из полезных религиозных фигур, которых он держит на своих стенах в «Бешеном быке» », Пересказ истории Христа в« Последнем искушении Христа »и жадность и излишество, которое поглотило американскую культуру в« Волке Уоллстрита ».
Но Скорсезе вдобавок ко всему это просто чертовски веселый режиссер, когда один смотрит его фильмы, вы не можете не понимать, насколько скучными и обыденными являются большинство фильмов. Потому что, как только вы смотрите одно из произведений Марти, экран просто оживает и увлекает вас в путешествие.
Большая часть его подписей также является результатом людей, которых он держит рядом с ним. Его частое сотрудничество с такими актерами, как Де Ниро, Пески и Дикаприо, его давний друг и редактор Тельма Шунмейкер, его сценаристы, такие как Пол Шрэдер и Николас Пиледжи, и т. Д. Все они достойно талантливы, но также разделяют ту же художественную целостность Скорсезе держит и не останавливается ни перед чем, чтобы исполнить его видения.
9. Андрей Тарковский
Андрей Тарковский был режиссером, как никто другой. Чтобы смотреть его фильмы, было больше похоже на медитацию, чем на что-либо еще, и что наиболее структурно наиболее интересно в творчестве Тарковского, так это то, что его фильмы состоят в основном из рассказа. В этом нет никакой реальной истории, чтобы распутать, есть только опыт свидетельства событий непосредственно. Если где-то есть или была история, она давно исчезла, потому что время, пространство и все, что находится между ними, течет в темпе, который обходит наши способности видеть что-либо в воспоминаниях задним числом.
Кто-то может назвать его фильмы скучными, и кто я, чтобы рассказать вам, как себя чувствовать, но когда мы смотрим его фильмы (или любой другой фильм в целом), у нас, как у зрителей, есть два выбора: нам может быть скучно от того, что мы смотрим, или мы можем наблюдать за тем, что мы видели до этого момента, и понять, почему мы находимся там, где мы есть, и что в конечном итоге является конечным результатом того, что мы испытываем. И, надеюсь, вы сделаете правильный выбор.
Фильмы Тарковского работают как проявления жизни человечества. Они провоцируют нас самыми экзистенциальными способами, которые делают только медитацию на человеческие условия.
Философия и духовность переплетаются с его великими методами, настолько, что он вынужден был изгнать свою родную страну после того, как советские власти проигнорировали его фильмы. Но независимо от того, сколько они, возможно, пытались сократить его фильмы, Тарковский все еще стоит высоко, они были такими же амбициозными и глубокими, как и любая большая работа, и никогда не заботились о том, чего бы хотели другие. Он снимал фильмы так, как видел их, что должно делать гораздо больше режиссеров.
С такими фильмами, как «Андрей Рублев», «Солярис», «Зеркало», «Ностальгия» и «Жертвоприношение», вы можете посмотреть много «скучных» диалогов и затяжных кадров, но Тарковский мог использовать это для рисования. Время выхода. Ничто не было срочно отправлено из-за стремления кого-либо к этому, оно происходит только благодаря зарабатыванию того, что он должен сказать. Только тогда его фильмы обретают полную форму, и теперь персонажи и события превращаются в свет, в котором он их видит. Мы просто должны приложить усилия для этого.
10. Франсуа Трюффо
Вот гипотетический сценарий: вы смотрите плохой фильм и говорите себе: «Я могу добиться большего, чем это». Короче говоря, по сути, это была «Новая волна Франции», кинокритики, которым надоело то, что они смотрели, поэтому они взяли дело в их руках.
Французские фильмы после Второй мировой войны, по мнению этих критиков, не давали Франции своей национальной идентичности. Большинство фильмов не были посвящены чувствам, которые происходили в стране в то время. Это не значит, что не было сделано великолепных фильмов, отнюдь нет, но Новая Волна была создана по-другому.
Трюффо, как и другие, делали вещи на месте и рисковали экспериментировать больше, чем когда-либо прежде. Редактирование было другим, фильмы снимались больше как документальные фильмы, а рассказы рассказывались по-разному, чтобы отразить нынешние чувства Франции в 50-х и 60-х годах. За время своей карьеры в журнале «Cahiers Du Cinema» Трюффо научился самостоятельно снимать и финансировать свои фильмы, а затем ушел.
Трюффо однажды сказал: «Я требую, чтобы фильм выражал либо радость создания кино, либо агонию создания кино. Меня вообще ничто не интересует ». Его работы отражают это потрясающе. Его самым известным, конечно же, является фильм «400 ударов», в котором рассматриваются концепции подросткового возраста и показывается, насколько одиноким и депрессивным он может быть.
Но тем же самым понятием он мог смягчить радость, которую он имел при создании фильмов, с такими записями, как «Стреляй в пианиста», в которых он делает гангстеров более комедийными по своей природе, потому что он понял, что не любит гангстеров. Его ремесло стало очевидным за границей, поскольку он должен был пробиться в американское кино с «Бонни и Клайдом», но в конечном итоге отказался. Тем не менее, это не снимает след, который он оставил на фильме в целом по всему миру, поскольку сегодня все еще наслаждаются влиянием, которое Трюффо оставил в кино.
