Всегда приятно напоминать себе о тех фильмах, которые пробуют и вводят новшества - независимых, экспериментальных - тех, которые бросают необычный или особенный взгляд на мир, или о фильмах, которые просто пробуют что-то немного другое.
Революционный Гражданин Кейн (1941) Орсона Уэллса напомнил Голливуду, что один человек может сделать повествование умным и изобретательным. Совместные усилия Луиса Бунюэля и Сальвадора Дали «Андалузский пес» (1927) стали краеугольным камнем в сюрреалистическом кинопроизводстве. Джордж Мелис экспериментировал с новыми методами редактирования и создания декораций для создания кинематографических фокусов; Сергей Эйзенштейн адаптировал редактирование, чтобы сформировать символический монтаж, наиболее ярко засвидетельствованный в Броненосце Потемкине (1925). Итальянские неореалисты предоставили грубый кинематограф в качестве комментария к суровому послевоенному итальянскому ландшафту, в то время как французская «Новая волна» впервые использовала самосознательный иконоборческий стиль кинопроизводства как отказ от традиционных конвенций кинопроизводства, добавив свежий, оригинальный оттенок в свою работу ,
Такие авторы, как Андрей Тарковский и Бела Тарр, предлагали нам медленные, извилистые размышления о существовании, времени и месте. Дэвид Линч ворвался на сцену с сюрреалистической, сказочной критикой Голливуда и современности. Режиссеры-документалисты, такие как Д.А. Пеннебейкер или братья Мэйлз, принесли новые неигровые стили с помощью портативного независимого наблюдательного этикета. Ингмар Бергман дал нам философские размышления о человеческом состоянии. А Вонг Кар-вай продолжает дарить поразительные образы любителям кино, экспериментируя со смелой раскраской.
«Артхаус» или «авангард» - это термины, которые трудно унизить и определить; вышеперечисленное говорит о том, что художественный фильм принимает различные формы и стили с помощью различных методов. Хотя в художественном фильме очевидна его бесспорная важность в истории кино, способствующая созданию красивого, смелого и стимулирующего кино.
10. Танец реальности (2013, Алехандро Ходоровский)
«Танец реальности» (2013) стал первым фильмом Алехандро Ходоровского за 23 года. Автобиографическая работа, фильм изображает молодого Ходоровского (Иеремия Ходоровский), как он ориентируется в детстве, контролируемом оскорбительным, гордым атеистическим отцом (играемым сыном Ходоровский Бронтис) - как раз цирковой лидер, теперь сталинский идолопоклонник коммунист. Молодому Ходоровскому помогает благоразумие самого Ходоровского, который действует как случайный призрак будущего Ходоровского, уводя молодого человека от самоубийства.
Снятый и установленный главным образом в фактическом родном городе Токопилла Ходоровского, фильм усеян волшебными и незабываемыми изображениями. От яркой окраски домов, напоминающей работу Педро Альмодовара, до сотен птиц, стекающихся по пляжу, полному мертвых сардин, или полуголого теософа (Алехандро Ходоровского), Йодоровский извивается из фантазий прошлого: вещи преувеличены, придуманы или изменены. Важно отметить, что его мать, которая говорит оперной песней, рассказывает юному Ходоровскому о Боге, о том, как противостоять тьме, и о том, что он не боится антисемитизма, с которым он и его семья сталкиваются - иногда насильственно - сталкиваются.
Это яркий и красивый фильм, наполненный песней, комедией и множеством диких сюрреалистических персонажей. Один из этих многочисленных второстепенных персонажей, многие из которых характеризуются тяжелыми нарушениями, символизирующими широко распространенные страдания, комментирует, что «никто не может избежать своей судьбы». К концу фильма Ходоровский дрейфует рядом со скелетом; возможно, он нашел способ через свое искусство примирить свое прошлое со своей судьбой.
9. Похоронная процессия роз (1969, Тошио Мацумото)
Похоронная процессия роз (1969), режиссер-мечтатель Тошио Мацумото, опередил свое время в кино и должен считаться вехой в кино .
«Похоронная процессия роз», созданный в рамках «Новой волны Японии», представляет собой свободную адаптацию греческой трагедии «Эдип рекс» и затрагивает запретную тему подпольной гей-культуры Токио. В следующем транссексуале Эдди (которого играет Пита, узнаваемого по его роли в фильме Ран Акиры Куросавы [1985]), мы ведем мир, в котором он борется со своей личностью, в то время как он и его возлюбленный Джими (Йошимо Джо) постоянно пытаются избежать ревности. Леда (Осаму Огасавара), глава транссексуала в ночном клубе для геев.
Вдохновленный работой французской Новой волны, Похоронная процессия роз представляет собой комбинацию различных устройств: расколотую музыку, яркие жестокие эпизоды воспоминаний, резкие скачки, яркие сцены секса, монтаж и карты случайных сигналов, которые вспыхивают на экране с неоправданные восклицания. Даже название вспыхивает через 20 минут, короткое, но несерьезное напоминание о том, что мы смотрим фильм.
Тем не менее, наиболее эффективным средством фильма является использование документальных интервью. 'Тебе нравятся мужчины?' отвечает «да… нет… я люблю геев». «Разве вы не видите женщин в качестве сексуальных объектов? «Это действительно зависит; Есть много типов геев. Результатом является размытие фактов и вымыслов, которые ставят острые, прогрессивные моменты обсуждения в центре повествования - легко забыть, что этот фильм был снят в конце 60-х годов.
Похоронная процессия роз превращает постороннего человека (что, по совпадению, является главной темой в этом списке) главным героем. Важные часы.
8. Тайная жизнь (2019, Теренс Малик)
Тайная жизнь (2019) продолжает стиль кинопроизводства Теренса Малика, широко панорамируемый в его недавних нескольких усилиях; критики заявили, что это было нечисто, дурно и неопределенно. Здесь, однако, Малик помещает свою стремительную кинематографию и грандиозную эстетику в контекст Второй мировой войны, что дает большой и успешный эффект.
Основанный на реальной истории сознательного австрийского возражающего, Франца Йегерштеттера, «Тайная жизнь» отражает его внутренний конфликт через свободно текущую операторскую работу Малика, чтобы укрепить идеи борьбы и перемещения. Это движение может быстро превратить широкие снимки обширных пейзажей в экстремальные крупные планы, делая их действительно бредовыми часами, которые, в свою очередь, способны сместить своего зрителя таким образом. Эта мечтательность обычно считалась бесцельной и головокружительной в его последних фильмах, но в данном случае она прекрасно основана на грязи и грязи сельской родины Франца и борьбе, с которой он сталкивается, когда захвачен нацистами.
«Тайная жизнь» - не лучший фильм Малика, но он видит, как он стреляет снова в форму.
7. 24 кадра (2017, Аббас Киаростами)
«Мне всегда интересно, в какой степени художник стремится изобразить реальность сцены. Художники фиксируют только один кадр реальности и ничего до или после нее ». - Аббас Киаростами.
последний фильм 24 кадров Аббаса Киаростами (в 2017 г.) представляет собой неоспоримо экспериментальные работы, что abridges неподвижное и подвижное изображение. Киаростами объединил свою двойную любовь к кинопроизводству и фотографии, структурировав эту работу вокруг набора из 24 различных картин или фотографий, называемых «кадрами», и отредактировал их в цифровом виде, чтобы понять, что происходило до и после. Волшебное сочетание пейзажных картинок, снежных сцен, заполненных коровами и воронами, и монохромных изображений окон, он отображает и создает историю с помощью искусного многослойного редактирования.
С каждым кадром, отредактированным для выполнения примерно четырех с половиной минут действия, Киаростами действительно бросает вызов нашему терпению. Каждый погружает нас в свое окружение и настроение, вынужден жить в своем заключении. Когда мы замечаем суровость его снега, затем шум его ветра, затем еще больше тонкостей его прекрасного пейзажа, награды за то, что мы уделяем время наблюдению за нашим миром, обращены к нам.
«24 кадра» - это фильм, возвращающий кино к своим корням и прославляющий единый движущийся образ. Это эксперимент, с которым Киаростами тратит время, доверяя значимости и красоте сфотографированного момента.
6. Далекие голоса, застывшие жизни (1988, Теренс Дэвис)
Возможно, часто омраченный политически заряженными фильмами Кена Лоуча или решительным натурализмом Майка Ли, нежная и поэтическая работа Теренса Дэвиса превращает реализм кухонной раковины, наиболее ассоциируемый с британским кино, в новые, прекрасные впечатления.
В отличие от Лоуча, который исследует социальную несправедливость и влияние внешних сил на рабочий класс, «Далекие голоса, застывшие жизни» (1988) глубоко исследует, как внутренние силы - семья, дом, сообщество, паб - удерживают их на плаву. Как таковые, фильмы Дэвиса более обнадеживающие; их персонажи коллективно выразительны и эмоциональны. Это часто выражается лирически, так как персонажи регулярно поют, либо в момент общей радости, либо в момент боли, в пабе или в бомбоубежище.
В фильме, состоящем из отдельных половинок, первый «Далекие голоса, застывшие жизни» - это воспоминание об отце (изображено с твердостью и строгостью Питом Потлетуэйтом). Его рамки часто начинаются неподвижно, как фотографии, а затем прерываются внезапным актом насилия. Основное «движение» инициируется музыкой, которая плавно соединяет разные моменты и времена; Дэвис использует песню или гимн в качестве причины, чтобы перемещаться по комнате или медленно перемещаться из одного места в другое.
Вдохновленный собственной жизнью Дэвиса, фильм размышляет о важности семьи и памяти, благодаря которой три центральных брата помнят своего отца с разных точек зрения. В «Далеких голосах» песня дает передышку трудным временам и является связующей силой между персонажами, давая сообществу уникальный голос за пределами их обычной жизни рабочего класса.
5. Отрава (1991, Тодд Хейнс)
Тодд Хейнс стал одним из крупнейших режиссеров в Америке, получив награды и награды за такие фильмы, как «Далекое небо» (2002) и Кэрол (2015). В своем признанном критиками фильме «Я не там» (2007), расколотый биографический фильм о Бобе Дилане, Хейнс продемонстрировал основной аудитории, что он - режиссер, желающий нарушить структуру повествования и раздвинуть границы.
Тем не менее, это было уже ясно в его дебютном фильме Отрава (1991). «Отрава» - это фильм, который прерывает три неясных и не связанных сюжета: мальчик убивает своего оскорбительного отца и убегает, вылетая из окна ванной комнаты; известный ученый случайно выпивает сексуальную сыворотку и начинает распространять очень заразную и мутирующую на теле болезнь, средства массовой информации маркируют его как «Прокаженный Секс-Убийца»; и заключенный и мелкий вор влюбляются после того, как он узнает другого из его юности.
Первая, под названием «Герой», разыгрывается, как ночная американская криминальная документальная драма, которая включает в себя завышенные голоса за кадром и драматические интервью с говорящей головой. Безусловно самый забавный из трех, он комментирует роль СМИ в дискриминации и предвзятости. Второй, «Ужас», играет как старый фильм ужасов о теле, полный до краев с сырным переигрыванием и голландскими углами. Третий, «Гомо», - это тюремная драма, включающая воспоминания о неясном цветочно-украшенном замковидном окружении, где главный герой встречает свое сексуальное пробуждение. В этой истории есть сознательный контраст между тюрьмой и открытой, зеленой памятью, между ловушкой и свободой.
В то время как повествовательно не связаны, все три связаны на тематическом уровне, сталкиваясь с идеями трансгрессии, желания и, в конечном счете, постороннего. Возможно, в ответ на растущую эпидемию СПИДа в то время (наиболее явно в «Ужасе»), Хейнс пытается нарисовать картину того, что значит быть субъектом. Он также комментирует усиленное представление об отчужденных средствах массовой информации (опять же, наиболее явно в «Герое»).
Отрава - глубоко личная деконструкция формы и жанра фильма, его красота и очарование сформированы из смелых тональных и стилистических изменений.
4. Синий Черный Неизменный (1992, Маргарет Тейт)
Маргарет Тейт было 72 года, когда она сняла свой первый полнометражный фильм Синий Черный Неизменный (1992). После создания множества короткометражных фильмов / видеофильмов / документальных фильмов она стала первой в истории шотландской женщиной, которая сняла полнометражный игровой фильм, за которым последовали другие, такие как Линн Рэмси и Хоуп Диксон Лич. И Синий Черный Неизменный умышленно размышляет над такими идеями, как память и прошлое, и погружается в идею того, что могло бы быть.
Фильм основан на воспоминаниях современного фотографа Барбары Торнберг (Селия Имри) о ее матери-поэте Грете (Герда Стивенсон), которая умерла в молодом возрасте: «Она была моложе меня сейчас, но я все еще смотрю вверх ей. История, рассказанная в воспоминаниях (хотя требуется время, чтобы понять, чьи воспоминания чьи), мы следуем за Гретой, когда она пытается вернуть чувство принадлежности, когда она бродит по дождливым улицам Эдинбурга. У нее есть воспоминания о ее собственной матери (которая также умерла в молодом возрасте), и она напоминает себе о береговой линии Оркнейских островов и ее любви к воде. Несмотря на то, что океан (или Синий Черный Неизменный) является смертельным местом для семьи Барбары и Греты, он также является постоянным, плавным напоминанием об их существовании и истинном доме.
Это потрясающе красивая, терпеливая, важная часть кинопроизводства. Тот факт, что Таит была первой шотландской женщиной-режиссером в столь поздний период истории кино, трагичен, но не было никого, кто мог бы взять на себя эту ответственность и так нежно относиться к ней, как она.
Некоторые говорят, что Тейт взяла вдохновение для Греты от ее невестки, поэта и редактора газеты, которая умерла молодой во время родов. Другие говорят, что Грету вдохновила Энн Скотт-Монкрифф, писательница Оркада, которая умерла в результате утопления в 1943 году. Кем бы он ни был - скорее всего, и многими другими - Тейту удалось вселить чувство подавленного женского творчества в повествование фильма, настаивая на том, что благодаря Грета мы считаем забытыми или неслыханными женскими голосами. Синий Черный Неизменный напоминает нам о важности семьи, наследия и глубокой связи с местом.
3. Прямо сейчас, а не после (2015, Хонг Санг Су)
Хон Санг Су стал одним из самых плодотворных режиссеров последних лет, часто выпуская два или три фильма в год, рассказывая блестяще трогательные, интимные истории. Обычно его работа сосредоточена вокруг молодой женщины (часто ученого-кинематографиста или художника) и старшего мужчины (часто режиссера или лектора), его работа обозначена плоской окраской, медленным увеличением и сценами, построенными на длительных беседах, которые часто устанавливаются во время кофе или еда или с соджу в руке.
Прямо сейчас, а не после (2015) привносит стиль Сан-Су в голову. Чон Су (Чон Джэ-ён) - режиссер артхауса, который приезжает на день раньше на гостевую лекцию и случайно встречается с молодым художником Хи Чжоном (его играет Санг Су, Ким Мин Хи). После того, как она узнает его, они решают пойти на кофе, затем в ее студию, затем на суши и соджу, затем в дом друга для большего количества еды - все знакомые параметры Санг-су.
Все кажется безобидным, так как Чон-Су является бесплатным и интересным во всем. Медленно, однако, план Чон-су раскрывается, когда он начинает требовать свою любовь к Хи Чжон. Его нечестность и ложь начинают проявляться, как только мы понимаем, что его комплименты по отношению к ее искусству были просто репетициями, которые он использует, чтобы лениво описывать свою собственную работу во время вопросов и ответов. К концу их встречи вещи остаются очень кислыми.
Затем, без предупреждения, фильм начинается снова. На этот раз Чон Су более честен.
Здесь Санг Су подчеркивает важность маленьких моментов. За тем, что внешне кажется очень похожим - настройки, темы для разговоров, действия - небольшие изменения в ракурсе камеры с небольшими изменениями в расположении обоих персонажей. Санг-Су обладает прекрасной способностью сосредотачиваться на мелочах повседневного разговора, наблюдая, что разговор строится не на слушании, а на ожидании, чтобы говорить и влиять на чужую жизнь.
Вы могли бы сравнить минималистскую работу Сан-Су, основанную на разговорах, с работой Вуди Аллена, или даже считать его своего рода южнокорейским натуралистом, но это кажется произвольным. Здесь просто замечательно смотреть фильм, который начинается с одного конца, заканчивается совершенно другим, а в середине происходит нечто совершенно блестящее и непредсказуемое.
2. Сад (1990, Дерек Джарман)
Дерек Джарман был лидером британского авангарда в конце 20-го века. Режиссер, художник, садовник, поэт, дневник, сценограф (не для кого иного, кроме Кена Рассела) и гей-активист, его работы известны своей грубой честностью и глубоким личным пониманием себя и окружающего мира.
Сад (1990) ничем не отличается, выпущенный вскоре после его монолитного комментария к Тэтчеровской Британии последней из Англии (1987). Сад повторяет использование своего предшественника супер 8 изображений для изучения ностальгии и самости в конце 20-го века в Англии. Однако, отходя от антиутопического описания Лондона «Последней Англии», его фокус смещается внутрь с интроспективным наблюдением за более широким обществом. Таким образом, фильм целиком снят в прибрежном доме Джермана, в Проспект-коттедже в Дангенессе, штат Кент, который окружен обширной галькой, затем пустыней, а затем атомной электростанцией; его внутренняя среда злобно сталкивается с внешними силами.
Проспект Коттедж считался Джерманом раем, несмотря на его ядерную и пустынную среду. В течение его времени он начал постепенно утомляться, поскольку его тело начало предавать его, когда он приблизился к смерти от СПИДа. Поэтому его сад можно рассматривать как Джармана, борющегося со своей собственной смертностью; это место передышки, но также и новое обретенное воображение. Джарман садится прямо в фильм (тот персонаж, который явно взаимодействует с садом).
В то время как там у него есть ряд мечтательных снов; религиозные образы, основанные на Евангелиях, пересекаются с историей о гомосексуальной паре, чья идеалистическая жизнь жестоко прерывается пытками, унижением, угнетением и, в конечном итоге, смертью. Посредством калейдоскопической серии тонированных изображений, настроенных на триповый саундтрек, Джарман, кажется, лихорадочно пытается понять, что значит быть гомосексуалистом в конце 20-го века, отвечая также на Раздел 28, которому он открыто выступил против начала.
В фильме Сад есть что-то магическое, что подчеркивается использованием несовершенных супер 8 изображений, которые мерцают между монохромным и цветным. Апокалиптическая пустынная обстановка усиливает потусторонний мир, и только благодаря домашним видеоматериалам Джермана о коттедже «Проспект» и близлежащем море. Фильм больше похож на визуальное стихотворение, в котором происходит небольшой диалог с диегетами, когда мы блуждаем от изображения к изображению, сценарий к сценарию. Ближе к концу фильма голос за кадром уместно восхваляет тех, кто умер от болезней, связанных с СПИДом: «Мы умираем медленно и тихо… Я умираю медленно и тихо… Прощайте, ребята». Он оставляет свой сигнал вызова.
Дерек Джарман умер в 1994 году, вскоре после завершения своей лебединой песни Blue (1993). Примерно через 25 лет после его смерти, кажется, настало подходящее время, чтобы вернуться к его дальновидной и культурно важной работе, работе, которая сегодня столь же резонансна, как и все те годы назад.
1. Контракт рисовальщика (1982, Питер Гринуэй)
Современник Дерека Джармана, Питер Гринуэй, тоже был студентом искусства и дизайна, что совершенно очевидно в его дебютном художественном фильме «Контракт рисовальщика» (1982). Это фильм, полный шумных костюмов и головных уборов, пасторальных пейзажей и бурного партитуры Майкла Наймана, который заставляет каждую сцену двигаться в спешном темпе. Гринуэй строит восхитительно полную, сатирическую тайну убийства периода.
Расположенный в английской сельской местности в конце 17-го века, известный, но высокомерный рисовальщик (Энтони Хиггинс) уполномочен сделать 12 пейзажных рисунков в качестве подарка на день рождения для богатого мужа миссис Герберт (Джанет Сузман). После настойчивости миссис Герберт, мистер Невилл неохотно соглашается, пока ему платят достаточно за человека его талантов, за который садятся, и у него есть «неограниченная свобода ее самого близкого гостеприимства». То, что затем следует, вызванное громовой Ниманом «Погоня за овцами - лучше всего остается пастухам», - это отношения мистера Невилла с поместьем, когда он рисует днем, и тайные отношения, которые он имеет с миссис Герберт за закрытыми дверями.
Контракт рисовальщика - это очень точный и аккуратно сконструированный фильм, каждый кадр которого вылеплен за дюйм его жизни, как будто это картины в стиле барокко. Эта точность создает тонкую головоломку, которая медленно подается в повествование. Мистер Невилл требует тишины и пустоты, пока идет по поместью, но одинокая лестница или драпированная рубашка там начинают проникать в пейзажи, которые он рисует. Сначала он ничего не подозревает и добавляет их к картине, но тем самым документирует их существование и медленно превращает себя в дикий заговор убийства.
В фильме гораздо больше интересного: изящно комичные ссоры, зловещий зеленый человечек, мочеиспускательная садовая статуя, влажное белье и плохо себя ведущие овцы. Все это добавляет к сенсационной обстановке, которая сразу наслаждается, но также комментирует фарсовый мир исторического кино. Исключительно красивая, яркая и многословная история.
По всему этому списку видно, что режиссера трудно отделить от его работы; возможно, художественный фильм основан на исключительно личном опыте окружающего мира режиссера. Это радикальный, стремительный стиль, смешанный с грубым и эмоциональным рассказыванием историй, и мы, любители кино, определенно становимся лучше.
