В понятии красоты есть что-то сложное. В дополнение к неспособности определить или направить это точно, из-за его субъективного характера, кажется трудным идентифицировать что-то как чисто красивое, так как на протяжении всей нашей жизни мы привыкли каталогизировать все, что радует нас эстетически и красиво.
Однако если мы перенесем эту проблему в сферу искусства, она может стать еще более сложной. Каким будет, в конце концов, красивый фильм? На протяжении разных веков истории искусства мы можем проследить, как эта концепция изменилась и расширилась. То, что когда-то считалось не красивым, вскоре после этого можно было считать чудесным.
Исходя из этимологии слова, мы находим что-то любопытное, что помогает нам понять немного, почему это происходит: греческий термин для прилагательного прекрасного - koine, происходящий от того же самого термина, который породил слово «час», hōraios. Таким образом, с самого начала красота была напрямую связана с согласием с ее моментом, с ее временем или даже в самый лучший момент.
В любом случае, мы можем думать, что есть также что-то прекрасное в сложности этого термина, и думать, что многие фильмы могли считаться красивыми в какой-то момент в истории и позже забыты, или даже не понимали свою красоту в момент реализации.
Выбор фильмов, перечисленных ниже, имел в качестве основного критерия, в дополнение к выбору фильмов, которые, вероятно, не очень хорошо известны даже зрителям-киноманам, фильмы, красота которых не просто эстетическая или повествовательная; фильмы, которые каким-то образом сумели найти красоту в нестандартных ситуациях и образах.
10. Душ (1999, Чжан Ян)
Мастер Лю - пожилой человек, который с помощью своего младшего сына Эр Мина поддерживает процветающую традиционную баню в небольшом китайском городке, в котором уже много лет живет постоянная клиентура. Он гордится тем, что каждый день усердно работает и поддерживает свое учреждение на протяжении многих лет, и всегда скептически относится к любым инновациям, которые предлагают его клиенты. Учитель Лю, однако, испытывает большое разочарование в связи с тем, что его старший сын, Да Мин, не решил работать в бане и решил переехать в большой город Шэньчжэнь.
У Эр Мина проблемы с психикой, и однажды он решает отправить письмо Да Мину, в котором он говорит, что скучает по нему, с рисунком, заставившим его брата подумать, что Мастер Лю умер. Да Мин спешит обратно в свой родной город и обнаруживает недоразумение, но решает остаться на некоторое время. С тех пор начался неизбежный конфликт между поколениями и эмоциональная расплата с его отцом и его прошлым.
«Душ» - это комедия с драматическими тонами, которая затрагивает очень часто повторяющуюся тему современного китайского кино, которая представляет собой дихотомию между традицией и современностью, пронизанную великими и быстрыми экономическими и социальными преобразованиями, которые страна пережила в последние десятилетия, и братские отношения и отношения отца и сына рассматриваются с большой нежностью и изяществом. Примечательно, что фильм, кажется, строит из этого подхода очень зрелый взгляд на реальность, оценивая традиции в правильной точке, но не звуча реакционно.
9. Влюбленные (1968, Вальтер Хьюго Хури)
Уолтер Хьюго Хоури известен в своей стране (в то время, когда кинематографическое движение, которое впоследствии стало называться «Кино Ново», где такие режиссеры, как Глаубер Роша, снимали политически и эстетически увлеченное кино, предпочитало снимать фильмы вне этой сферы, обращаясь к более интимным и психологические темы) иногда сравнивают с итальянцем Михланжело Антонионни или даже со шведским Ингмаром Бергманом.
«Влюбленные», снятые в 1968 году, уже в самый тяжелый период военной диктатуры Бразилии, могут быть одним из самых политических фильмов Хоури, но, тем не менее, они делают это совершенно по-другому и не так, как Глаубер Роша, Леон Хирцман. и другие бразильские режиссеры делали.
Фильм рассказывает о жизни Марсело, молодого студента колледжа, страдающего от нерешительности относительно своего будущего, сожалений о прошлом и беспокойства о своем настоящем. Он почти всегда разорен и живет в тяжелых отношениях со своими друзьями. Все разочарования Марсело постепенно становятся более пессимистичными в отношении жизни в целом, и то, что когда-то казалось неким экзистенциализмом, постепенно становится все более сильным нигилизмом.
Марсело всегда ищет смысл для жизни, и этот поиск приведет его к самым разнообразным переживаниям с различными любовными отношениями и отношениями с другими экзотическими персонажами. Что самое прекрасное в фильме, помимо этого поиска смысла жизни в блаженном отношении к смыслу жизни, так это новое видение, которое порождает фильм о экзистенциальном кризисе молодого студента университета, пронизанного контекстом психоделия и тропизм Бразилии 1960-х годов, с акцентом на участие группы Os Mutantes, очень влиятельной психоделической рок-группы на бразильской музыкальной сцене того времени.
8. Не болит голова у дятла (Динара Асанова, 1974)
Динара Асанова, пожалуй, одна из самых талантливых и в то же время неизвестных режиссеров 1970-х годов. Родилась в Кыргызстане, в то время часть Советского Союза, она сняла около восьми фильмов; самый известный из них - хотя и немного неясный для большей аудитории - это фильм о достижении совершеннолетия, в котором деликатно изображены детские дилеммы главного героя.
Муха - мальчик, который мечтает стать знаменитым барабанщиком в рок-н-ролльной группе. Однако его раздражает, что мало кто называет его по имени, только напоминая ему, что его брат Мухин - успешный баскетболист, настоящая гордость его семьи и местного сообщества. С таким разочарованием, с которым сталкивается мальчик, также делятся его школьные друзья, у каждого из которых есть свои проблемы и проблемы.
В какой-то момент Муха влюбляется в Ира, девушку, которую он знает в школе, и повествование фильма сосредоточено на этих трех основных аспектах: то, как Муха сталкивается с тем фактом, что он всегда находится в тени своего знаменитого брата; его влечение и попытка покорить Иру; и его мечта стать великим рок-барабанщиком.
Хотя рок - это мечта главного героя, именно свободный джаз пронизывает саундтрек фильма, создавая во многих эпизодах эффективную связь с монтажом и создавая сцены замечательного ритма и музыкальности, которые помогают задавать тон беспорядка и растерянность молодежи Мухи и его друзей, и даже создания собственной личности мальчиков.
7. Галчонок (2012, Boudewijn Koole)
Существует огромное количество фильмов о детстве, которые красиво изображают его, но лишь немногие фильмы могут сделать это, обращаясь к менее процветающему или неспокойному контексту. Это, похоже, относится к фильму «Галчонок», который сопровождает детство Джоджо, 10-летнего мальчика, живущего со своим отцом, мужчины средних лет с алкогольными проблемами и подавленного отъездом его жены.
Отношения Джохо с отцом не очень легкие, но все становится еще сложнее, когда мальчик находит брошенную птицу и решает отвезти его домой. Джоджо знает, что его отец никогда не позволит животному присутствовать в доме, и пытается скрыть его до дня рождения его матери, поскольку он все еще верит, что она вернется к их жизни.
«Галчонок» - фильм, посвященный главным образом отношениям и красоте, которая не всегда гармонично сосуществует между разными личностями Джоджо и его отца. Мы видим всю раннюю зрелость, необходимую для того, чтобы мальчик имел дело со своим изменчивым и нестабильным отцом, а также всю любовь, которую он испытывает к своей далекой матери, направленной к хрупкой птице, о которой он решает заботиться, и его отношения с галкой это чем-то напоминает классический фильм Кена Лоуча «Кес».
6. Камомэ (2006, Наоко Огигами)
Неудача чаще всего изображается негативно в фильме, и не трудно представить, почему. В «Камомэ» Наоко Огигами, похоже, немного перевернула эту логику, обретя красоту в отставке и силе воли японки, которая решает открыть небольшой ресторан в центре города Хельсинки.
Фильм рассказывает историю Сачи, молодой японки, которая путешествует одна в Финляндию, где она решает жить и испытать свою удачу, открыв Камомэ, небольшой ресторан, главной достопримечательностью которого являются его знаменитые рисовые шарики. Начало бизнеса сложное, и у Саши возникают проблемы с постоянными клиентами. Его первый клиент - Томми, дружелюбный молодой финский человек, который зарабатывает бесплатный кофе за то, что был первым клиентом в короткой истории ресторана Sachie. Вскоре после этого она встречает Мидори, которая поможет ей в ресторане, и далее Масако, японку средних лет, которая потеряла свой багаж, и они решили помочь.
Несмотря на все усердие и прихоть Сачи и Мидори, завоевать клиентуру будет непросто, что начнет расстраивать ожидания двух молодых женщин, но именно в этой повседневной жизни, основанной на стойкости и сопереживании, мы найдем самые красивые элементы в фильме. В какой-то момент загадочный мужчина раскрывает простую технику, которая поможет Саши приготовить практически идеальный кофе, некоторые пожилые женщины будут покорены вкусом рисовых шариков, и жизнь будет постепенно расти и падать.
5. Путешествие на Китеру (1984, Тео Ангелопулос)
Тео Ангелопулос является одним из самых признанных и признанных греческих кинематографистов за рубежом, но этот художественный фильм 1984 года не входит в число самых известных режиссеров «Пейзаж в тумане» (1988) и «Вечность и день» (1998). Известный тем, что снимает поэтические и меланхоличные фильмы, здесь он повторяет дозу в фильме, который может достичь особого вида красоты, который, хотя и пронизан грустью, может указывать на холод надежды в течение жизни.
В «Путешествие на Китеру» мы следуем за долгими и беспорядочными странствиями Спироса в попытке достичь греческого острова Ситеры. Мужчина провел 32 года в изгнании в Советском Союзе, вдали от всей своей семьи и друзей, и теперь вернулся в свою родную страну. Теперь Спирос, который старше, полон разочарований и сомнений, предпочитает не говорить о своем прошлом и теперь пытается столкнуться с совершенно иной реальностью, чем утопия, о которой он мечтал и с которой боролся, когда был моложе.
«Путешествие на Китеру» - это фильм, в котором подробно рассматривается вопрос об отсутствии гражданства или даже об отсутствии родины, которую можно полностью идентифицировать. Спирос проводит большую часть фильма в странном путешествии, когда в какой-то момент мы задаемся вопросом, действительно ли он знает, куда он направляется, или само паломничество будет его конечным пунктом назначения. Более того, интересно отметить, как коллективное воображение и сама идея нации постепенно трансформируются с точки зрения Спироса, порождая новую идею об идентичности и принадлежности.
4. Будда рухнул от стыда (2007, Хана Махмальбаф)
Это фильм, который может с удивительной деликатностью изобразить предмет чрезвычайной сложности и противоречивости. Находясь в Афганистане, мы сопровождаем пятилетнюю девочку, которая мечтает учиться в недавно открывшейся городской школе, чтобы научиться читать и писать, но все, что ее окружает, работает против этого.
Одержимая идеей обучения, она настаивает на попытке, но конфигурация общества, в которое она входит, всегда работает против ее целей. Маленькая девочка в конце концов находит мальчика, который решает помочь ей, но его обнаруживают и наказывают за это. Позже она и другие девочки попали в плен к мальчикам, которые притворяются военными.
Фильм Ханы Махмальбаф становится прекрасной и в то же время резкой метафорой об условиях жизни женщин в тоталитарном и враждующем обществе. Религиозные догмы, анахронические традиции и повседневное инструментальное насилие враждующей страны беспощадно влияют на жизнь ее персонажей, заставляя взрослых мирных жителей подавляться апатией и беспомощностью, в то время как дети должны лишь подражать воображаемым вокруг них, в форма репетиции того, что их ждет в будущем.
То, как фильм Махмальбафа строит все это, используя не-актеров и все образы детей, весьма убедительно развивает очень серьезную критику, представленную почти непритязательным и деликатным образом.
3. Поселок (1997, Нури Бильге Джейлан)
Нури Бильге Джейлан, пожалуй, один из создателей фильма, который лучше всего справляется с постоянной темой, но не всегда хорошо решается многими фильмами: проблемой жизни в маленьких и изолированных городах, а также психологией персонажей, вставленных в эту среду. перед бесчисленными возможностями и возможностями, которые может предложить им мир вне того места, где они родились.
«Поселок», первый художественный фильм Джейлана, не только хорошо решает эту проблему, но и показывает, как прекрасно открывать и выбирать судьбу этих персонажей, которые сталкиваются с дилеммой: покинуть или не покинуть место, где они живут бежать ли в большой город или нет, пытаться ли следовать их мечтам, когда точно не известно, могут ли они сбыться.
Фильм рассказывает о повседневной жизни семьи Саффет, молодого человека, немного уставшего и скучающего по монотонной жизни, которую он ведет там. Мальчик думает покинуть маленький город, но первая часть фильма посвящена медленному раскрытию нам жизни членов семьи Саффет и других обычных персонажей в маленьком городке: парикмахера, сумасшедшего нищего, школьников и купцы, среди других.
Чувство общности очень важно для фильма, который часто затрагивает этот вопрос как одну из проблем дилеммы Саффета: стоит ли отказываться от сообщества, в котором вы выросли, чтобы отправиться в неизвестный мир? Но с другой стороны, мы также увидим, что жизнь сообщества не совсем идеальна, и что конфликты также присутствуют.
Большая часть фильма посвящена длительному диалогу вокруг костра, в котором семья Саффет обсуждает различные темы, повторяя истории из устной традиции. Есть фигура инженера, кто-то с опытом того, что уже ушел, достиг своих целей и вернулся с определенной славой, но есть также примеры неудач, которые пугают Саффет, который во время диалога приведет к небольшому идеологическому столкновению по поводу ухода ,
2. Портрет молодой девушки в конце 60-х годов в Брюсселе (1994, Шанталь Акерман)
В 1994 году французский телеканал назвал некоторые известные имена из бельгийской и французской кинематографической сцены, чтобы каждый из них делал повествование средней продолжительности - около 50–60 минут - которое станет частью серии под названием «Все мальчики и девочки». de leur âge »(название относится к известной песне Франсуазы Харди), и каждый эпизод должен касаться детства / юности определенного периода в определенном месте.
Шанталь Акерман, известный в то время бельгийский режиссер, была одной из тех, кого выбрали (наряду с такими именами, как Клэр Дени и Оливье Ассаяс), и если при выборе названия эпизода она была довольно напористой и простой, то это с характером молодой девушки что она решила изобразить, что мы увидим большую степень сложности.
Мишель, главный герой, 15-летняя девочка, которая проводит большую часть своих дней, пропуская школу, чтобы пойти в кино. На одном из этих выходов она встречает Пола, 20-летнего, который решает покинуть армию. Два беглеца заканчивают тем, что имели быстрый и развивающийся роман, и оттуда они выходят на улицы Брюсселя, чтобы обсудить свое будущее, тревоги, разочарования и неуверенность.
Удивительно, как скоро фильм сможет создать такую сложную личность, как его главный герой, и именно в этом мы сможем найти одну из величайших красот фильма: Мишель часто показывает себя уверенной в себе и целеустремленной, но понемногу мы отметит типичные колебания и неуверенность поздних подростков.
Пол, со своей стороны, представит сомнения и страхи, возникшие в раннем взрослом возрасте, и в одной из самых красивых сцен в фильме, когда они оба танцуют вместе в темной комнате под музыку «Сюзанны» Леонарда Коэна, мы можем чувствую, что их собственные судьбы переплетены с жизненными трудностями и неуверенностью, и как фильм может видеть красоту в этой ситуации.
1. Мой Бог, Мой Бог, почему ты оставил меня? (2005, Синдзи Аояма)
В этом неясном художественном фильме Синдзи Аоямы, выпущенном в 2005 году, сюжет столь же нетрадиционен, как и его название, в котором говорится о том, что было бы одной из семи фраз Иисуса, произнесенных во время распятия, согласно Библии. В недалеком будущем (повествование происходит в 2015 году) вирус распространяется по всему миру и подвергает общество опасности.
Заболевание называется «синдром Лемминга» и заставляет инфицированных им покончить с собой после минуты глубокой грусти. Безнадежность поиска лекарства от болезни начинает отчаивать всех, пока в конце концов не появится маловероятное решение: музыка, особенно жанр шума, довольно популярный среди японских художников, становится возможностью исцеления и надежды для общества.
В главной роли японский шумовой художник Масая Накахара (также известные как сценические имена, Violent Onsen Geisha и Hair Stylistics) вместе с известным актером Таданобу Асано (который в фильме очень похож на известного японского шумового художника Merzbow), фильм ставится на длинные сцены и минимальный диалог, чтобы подчеркнуть грустный тон мира, который он пытается представить, но в то же время создает очень красивую картину об устойчивости, необходимой для тех, кто сталкивается с психологическими проблемами, такими как депрессия, а также затрагивает сочувствие и солидарность.
В фильме прослеживается определенная напряженность, которая касается известного количества самоубийств в Японии, которые являются одними из самых высоких в мире: как они отличают зараженных вирусом самоубийства от тех, кто просто хочет покончить с собой жизни?
На фоне хаоса, вызванного этой болезнью, концертная сцена, несомненно, является прекрасным произведением кинематографического искусства, которое заслуживает того, чтобы его увидели другие люди. «Мой Бог, Мой Бог, почему ты оставил меня?». это фильм, который может найти красоту в антиутопическом будущем благодаря своим аргументам, которые, кажется, говорят нам, что только путем передозировки вещей и людей, которых мы любим, мы можем осмыслить свою жизнь и двигаться дальше.
